CRÍTICA LITERARIA: AFOUTEZA & CERTEÇA
Título y Autor
AFOUTEZA & CERTEÇA
Sabela Gondulfes
Sabela Gondulfes nace en Gondulfes, Ourense, en el corazón rural de Galicia. Su biografía es en sí misma un poema itinerante: estudió Psicología y Ciencias de la Información en la Complutense madrileña, vivió temporadas en Nueva York, Buenos Aires, la Patagonia argentina, Chile y Portugal. Esta geografía vital explica mucho de su poesía: la de quien escribe desde múltiples territorios sin arraigar completamente en ninguno, o quizá arraigando en todos simultáneamente.
Su obra previa incluye la novela En la Penumbra (finalista del V Concurso Internacional Luis Berenguer), los poemarios Invéntame la Vida y PielanDo —este último presentado en la Fundación Neruda en Isla Negra—, y Deshilachando Banderas. Sus poemas han sido musicalizados en jazz fusion y blues, traducidos a múltiples lenguas, e incluidos en antologías iberoamericanas. Gondulfes cultiva además la crónica de viaje, el ensayo y, recientemente, la literatura infantil y el dibujo. Es una creadora que se niega a la especialización, que necesita todos los géneros para contener su urgencia expresiva.
Resumen Breve
AFOUTEZA & CERTEÇA (valentía y certeza, en gallego y portugués) es un poemario autobiográfico que traza el mapa emocional de una vida atravesada por múltiples pérdidas, desplazamientos geográficos y búsquedas identitarias. Organizado en cinco secciones que abarcan desde la “Prehistoria” hasta la “Nueva Era”, el libro funciona como diario lírico donde conviven el duelo materno, el amor ausente pero persistente, la denuncia política de la corrupción y las guerras, y la construcción de una identidad femenina fuera de los mandatos patriarcales.
El poemario se abre con una “Carta abierta a la Barbarie”, texto en prosa que establece el compromiso ético-político de la autora, y se cierra con una sección titulada “RIP” que integra la muerte no como final sino como parte del ciclo vital. Entre ambos polos, Gondulfes despliega una poesía del cuerpo, del territorio y de la resistencia que rechaza la separación entre lo íntimo y lo colectivo.
Análisis de Elementos Literarios
Trama: Estructura del Viaje Iniciático
Aunque la poesía no tiene trama en sentido narrativo, Gondulfes construye un arco de transformación que funciona como relato. La estructura tripartita expandida —Prehistoria/Historia/Intra Historia/Nueva Era/Intra Nueva Era— sugiere un viaje desde el paraíso perdido de la infancia rural hasta una forma de sabiduría que integra contradicciones sin resolverlas.
El “clímax” del poemario ocurre en la sección “Historia”, particularmente en el poema “EXTREMADURA~ALENTEXO”, donde el lenguaje se desintegra casi completamente: “Fui/ Me maté tantas veces/ algunas menos te maté”. Aquí la sintaxis colapsa, reproduciendo un trauma que no puede articularse con gramática convencional. Es el momento de máxima violencia verbal del libro, el núcleo del dolor que las demás secciones intentan procesar.
Los “giros argumentales” vienen marcados por poemas bisagra: “Rendirse / Rendirse a la evidencia / Abrazar la derrota” marca el tránsito de la resistencia furiosa a la aceptación consciente. “Me gusta la idea de Nós” introduce la posibilidad de un amor maduro, ya no idealizado. Estos giros no son dramáticos sino meditativos: transformaciones que ocurren en la quietud del reconocimiento.
Estilo y Lenguaje: Maximismo Emocional y Fragmentación
El estilo de Gondulfes podría definirse como maximismo emocional en tensión con fragmentación formal. Por un lado, la autora practica la abundancia: enumera, repite, acumula imágenes hasta la saturación. Por otro, fragmenta el lenguaje mediante espaciados, mayúsculas expresivas y cortes sintácticos abruptos.
El uso del multilingüismo (español, gallego, portugués) no es ornamental sino político: reivindica lenguas minorizadas y rechaza la pureza monolingüe. Cuando escribe “A miña Mai” en lugar de “A mi madre”, no traduce porque el gallego porta significados que el español no puede contener: hay memoria, tierra, infancia en esa lengua materna.
La tipografía expresiva convierte el poema en partitura visual. “Es Tre Me Ci Da” reproduce el temblor del cuerpo estremecido. “N0S” fusiona el cero matemático con el nosotros, sugiriendo que el dos nace del cero, de la nada compartida. Estas innovaciones formales acercan el texto a las vanguardias pero sin hermetismo: la experimentación siempre está al servicio de la expresión emocional directa.
Los neologismos (“Pielando”, “Membramos”) son técnica de ampliación del lenguaje: cuando las palabras existentes no alcanzan, la poeta inventa. “Pielando” condensa “hacer piel” y “pelar”, sugiriendo que la intimidad requiere desnudamiento.
Ambientación: Geografías del Desarraigo
El entorno físico no es decorado sino agente activo. Galicia aparece como territorio mítico del origen: “Terriña que me vio nacer”. Las montañas, ríos y valles gallegos no son paisaje sino presencia maternal que contiene y sustenta.
La Patagonia, Chile, Nueva York funcionan como territorios del exilio voluntario, espacios donde la poeta busca convertirse en otra. Isla Negra, hogar de Neruda, aparece como santuario poético donde la escritura se legitima. Lisboa y el Alentejo portugués son geografías de la hermandad peninsular, territorios donde el gallego encuentra eco.
Madrid es la ciudad ausente-presente: aunque apenas se menciona explícitamente, funciona como el lugar donde ocurrió la formación intelectual y también ciertos traumas. Es la ciudad que se abandona, el territorio del que hay que escapar para poder ser.
Esta geografía múltiple influye radicalmente en los personajes poéticos: son seres en tránsito permanente, que cargan con todas las tierras pisadas. El desarraigo no es tragedia sino condición de posibilidad: solo quien se va puede volver con mirada nueva.
Interpretación y Juicio Crítico
Interpretación: Poética de la Encarnación y la Resistencia
Este poemario puede leerse como doble manifiesto: estético y político. Estético porque propone que la poesía debe ensuciarse con la vida, rechazando la pureza formal en favor de la autenticidad expresiva. Político porque insiste en que lo personal es inseparable de lo colectivo: no hay poema de amor que no sea también poema social.
El simbolismo central es el de la semilla: “Quién tuviera la semilla limpia y pura / y sembrar los surcos de las mentes necias”. La semilla porta potencialidad transformadora pero requiere acción: sembrar, regar, cuidar. La poesía es esa semilla que la autora planta esperando cosecha incierta. Este símbolo conecta con toda una tradición de poesía comprometida donde la palabra es herramienta de cambio.
Los zapatos (viejos/nuevos, desgastados/rojos) simbolizan la transformación identitaria. “Azucena con zapatos viejos” representa la mujer condicionada por mandatos ajenos; “Azucena con zapatos nuevos” es la que elige su propio camino. Los zapatos rojos evocan el cuento de Hans Christian Andersen, pero aquí la protagonista no es castigada por bailar: reivindica su derecho al movimiento.
El mensaje subyacente es que vivir plenamente requiere valentía (afouteza) y certeza (certeça): coraje para atravesar el dolor sin anestesia y certidumbre de que el camino, aunque incierto, es el propio. No hay promesas de redención ni consuelo fácil: solo la afirmación de que resistir es ya una forma de victoria.
Juicio Crítico: Virtudes y Limitaciones
Originalidad: La voz de Gondulfes es genuinamente singular en el panorama poético español actual. Mientras muchas poetas contemporáneas trabajan con contención expresiva y precisión verbal, ella practica el desbordamiento controlado. Esta originalidad radica más en la actitud que en las técnicas: su negativa a separar registros, su multilingüismo militante, su deseo de abarcarlo todo sin jerarquías.
Coherencia: Aquí encontramos la mayor debilidad del poemario. La estructura prometida (Prehistoria→Nueva Era) sugiere orden que luego no se sostiene rigurosamente. Dentro de cada sección hay dispersión, saltos temáticos abruptos. La nota autoral admite esto: “los poemas no siguen orden alguno”. Esta decisión puede defenderse como reflejo de la experiencia real, pero dificulta la construcción de arcos emotivos sostenidos.
Impacto emocional: Innegable y potente. Gondulfes logra transmitir intensidad con inmediatez rara en poesía contemporánea española. Los poemas sobre la madre muerta conmueven sin sentimentalismo; los eróticos excitan sin pornografía. Este impacto viene de la honestidad radical: la autora no se protege, se expone completamente.
Contribución al género: El poemario se sitúa en tradición reconocible (poesía social, poesía del cuerpo, autoficcción lírica) pero con acento propio. Su mayor aportación es demostrar que aún es posible escribir poesía comprometida sin didactismo, poesía erótica sin clichés, poesía autobiográfica sin narcisismo. También contribuye a visibilizar la poesía de la diáspora gallega escrita en español, territorio aún poco explorado.
Contexto Histórico y Cultural
Contexto Histórico: Post-Crisis y Pre-Colapso
Aunque el poemario se publica en 2024, recoge poemas escritos a lo largo de dos décadas. Los textos más recientes (fechados 2019-2024) están atravesados por crisis múltiples: económica (2008 y sus consecuencias), migratoria (refugiados sirios, centroamericanos), sanitaria (pandemia 2020), climática (incendios, inundaciones).
La “Carta abierta a la Barbarie” puede leerse como respuesta al contexto de ascenso de nuevos fascismos, corrupción política normalizada y guerras perpetuas. Cuando escribe “Basáis la construcción de Europa y los Estados Unidos en la destrucción de gran parte del mundo”, está denunciando el orden neocolonial que sostiene el bienestar occidental sobre la explotación del Sur global.
El poema donde decide no votar más (“una rodaja de chorizo”) refleja la desafección política de sectores progresistas ante la socialdemócracia que administra el sistema sin transformarlo. Es contexto de desilusión política que atraviesa a toda una generación.
Contexto Cultural: Entre Feminismos y Renacimiento Poético
El poemario se inscribe en el contexto del cuarto feminismo español: el de las reivindicaciones laborales, la lucha contra violencias machistas y la construcción de genealogías femeninas. Gondulfes participa de este momento sin proclamas explícitas: su feminismo está en escribir el deseo femenino sin justificación, en denunciar estructuras patriarcales sin nombralas, en construir linaje con otras mujeres (la madre, las amigas, las poetas precedentes).
También se sitúa en el renacimiento de la poesía española contemporánea: tras décadas de dominación del poema de la experiencia, surgen voces que recuperan experimentación, compromiso político y exploración formal. Gondulfes dialoga con esta renovación pero desde los márgenes: escribe desde Galicia, no desde los centros de poder cultural (Madrid, Barcelona).
El multilingüismo del poemario refleja debates actuales sobre lenguas minorizadas en España. Escribir en gallego sin traducir es gesto político: obliga al lector castellanoparlante a habituar el oído a otra lengua peninsular, rompiendo la hegemonía del español.
Comparación con Otras Obras
Dentro de la Obra de Gondulfes
AFOUTEZA & CERTEÇA representa maduración respecto a PielanDo. Mientras el anterior exploraba el cuerpo y el deseo con cierto lirismo idealizado, este integra violencia, pérdida y compromiso político. La voz es más áspera, menos complaciente. Si PielanDo era celebración, AFOUTEZA & CERTEÇA es inventario completo: también lo que duele.
Con Poetas del Siglo XX
Gondulfes dialoga con Gloria Fuertes en el uso de lenguaje aparentemente simple para expresar complejidad. Ambas rechazan el hermetismo y buscan comunicación directa. Pero donde Fuertes usaba humor e ironía como protección, Gondulfes se expone sin defensas.
Con Alejandra Pizarnik comparte la exploración del silencio y la fragmentación, pero Gondulfes es menos hermética. Donde Pizarnik construía poemas como enigmas, Gondulfes busca claridad emocional incluso cuando el lenguaje se fragmenta.
La conexión con Idea Vilariño (Uruguay) es evidente en poemas de espera amorosa. “Me haces mucha falta” dialoga con los poemas de ausencia de Vilariño, pero Gondulfes es más expansiva: donde Vilariño condensaba, ella enumera.
Rosario Castellanos aparece como referente en la fusión de lo personal y lo político. Ambas rechazan separar el poema íntimo del poema social. Pero Castellanos escribía desde la ironía intelectual; Gondulfes desde la urgencia visceral.
Con Ana Rossetti comparte la reivindicación del erotismo femenino. Ambas escriben el deseo sin eufemismos. La diferencia está en el tono: Rossetti es más lúdica y culturalista; Gondulfes más directa y testimonial.
Con Poetas Contemporáneas
Elena Medel: Ambas fusionan lo personal con análisis de clase y género. Pero Medel trabaja con precisión quirúrgica del lenguaje; Gondulfes con abundancia expresiva.
Vanesa Pérez-Sauquillo: Comparten compromiso político explícito y poesía del cuerpo. Pérez-Sauquillo es más conceptual; Gondulfes más confesional.
Luz Pichel: Las dos escriben desde la diáspora gallega y practican multilingüismo. Pichel es más experimental y hermética; Gondulfes más accesible emocionalmente.
Técnicas Innovadoras para Acercar la Poesía al Lector Contemporáneo
Gondulfes emplea varias estrategias que funcionan como puentes entre poesía culta y lectura popular:
- Oralidad transcrita: Los poemas suenan como voz hablando directamente al lector. El uso de vocativos (“Venga. Dale Mujer”), interjecciones (“Buff”), y sintaxis coloquial crea sensación de conversación íntima. Esto conecta con formas actuales de poesía spoken word y slam poetry.
- Emocionalidad sin filtro: En época de ironía distanciadora, Gondulfes apuesta por sinceridad radical. Dice “te amo”, “me haces falta”, “lloro mi madre” sin protecciones retóricas. Esta honestidad emocional conecta con sensibilidades contemporáneas que valoran autenticidad.
- Notas explicativas: Cuando usa palabras gallegas, añade definiciones. Esto democratiza el acceso: no asume lector erudito. Es gesto pedagógico que acerca sin condescender.
- Multilingüismo como normalidad: No presenta el gallego como exotismo sino como lengua natural que convive con español. Esto educa al lector monolingüe sin sermonearlo.
- Fechas y dedicatorias: Contextualizar poemas con fechas concretas y dedicatorias personales crea efecto de diario íntimo compartido. El lector siente que accede a intimidad real, no a construcción literaria artificiosa.
- Citas de cultura popular: Referencias a series (Outlanders), canciones, cine conviven con Cervantes y místicos. Esta horizontalidad cultural acerca a lectores que no dominan canon literario tradicional.
Opinión Personal
AFOUTEZA & CERTEÇA es un poemario necesario e imperfecto. Necesario porque en panorama de poesía española a menudo demasiado contenida, demasiado pulida, Gondulfes reivindica derecho al desbordamiento. Su poesía no pide permiso ni se disculpa: existe con la fuerza de lo que debe ser dicho.
La imperfección es tanto limitación como virtud. Hay poemas que podrían condensarse, repeticiones que no añaden intensidad, irregularidades formales que delatan falta de depuración. Pero esta rugosidad es también autenticidad: preferir verdad emocional a perfección formal.
Los mejores poemas del libro (“Tengo la memoria resbaladiza”, “A miña Mai”, “Pielando”, “Outlanders”, “Rendirse”) justifican el conjunto. Son textos que resisten relectura, que revelan matices, que se instalan en la memoria del lector. Los menos logrados se diluyen en generalidad o caen en reiteración.
La mayor virtud es la voz: genuina, reconocible, distinta. En época de homogeneización estilística, Gondulfes suena a sí misma. Su mayor debilidad es la falta de autoedición: el poemario mejoraría con treinta páginas menos, concentrando intensidad.
Recomendación
Recomiendo este poemario a:
- Lectores de poesía social que buscan compromiso sin didactismo
- Amantes de poesía confesional tipo Sharon Olds o Marie Howe
- Personas en duelo que necesitan ver el dolor articulado sin edulcoraciones
- Feministas interesadas en poesía del cuerpo y el deseo
- Gallegos de la diáspora que reconocerán sus propios desplazamientos
- Jóvenes poetas que necesitan ver que es posible escribir con pasión sin vergüenza
No lo recomiendo a lectores que buscan:
- Poesía de precisión formal absoluta
- Hermetismo intelectual
- Ironía distanciadora
- Minimalismo expresivo
Conclusión
AFOUTEZA & CERTEÇA es poemario de vida completa: no selecciona momentos hermosos sino que incluye todo, lo sublime y lo cotidiano, el grito y el susurro. Esta vocación totalizadora es su apuesta más arriesgada: quiere ser diario, manifiesto, elegía, canto erótico, denuncia política simultáneamente.
El resultado es desigual pero memorable. Gondulfes no entrará en las antologías por perfección formal pero sí por intensidad emocional y valentía expresiva. Su contribución mayor es demostrar que aún es posible escribir poesía urgente, comprometida, apasionada sin caer en panfleto o sentimentalismo.
Este libro confirma una voz necesaria en poesía española actual: la de quien escribe porque no puede no hacerlo, porque la vida desborda y necesita cauces verbales. En época de poetas profesionales que escriben con ojo puesto en premios y reconocimientos, Gondulfes escribe con urgencia de quien juega la vida en cada verso.
Valoración final: 7.5/10
Un poemario imperfecto y vivo que prefiere riesgo a seguridad, autenticidad a pulcritud. Su lectura no será cómoda ni relajante, pero sí transformadora para quien se entregue a su intensidad sin reservas.
Citas Representativas
“Quién tuviera la semilla limpia y pura
y sembrar los surcos de las mentes necias
y sus conciencias despertaran a la luz de la vida.”
—Poema fundacional que establece la poesía como acto transformador.
“Tengo la memoria resbaladiza
Se me olvidó lo que hice mañana
Lo que haré ayer”
—Juego temporal que disuelve cronología en favor de simultaneidad emotiva.
“Amo, Duelo, entonces EXISTO”
—Reescritura del cogito cartesiano: no pienso sino siento, luego soy.
“Me gusta tu piel terciopelo
Tu risa a carcajadas
(…)
Y + + por encima
Tu Franqueza mamá”
—Poema a la madre donde la celebración anticipa el duelo.
“Vivimos comprados en la cultura del hacer=consumir
Cuánto más hacemos=consumimos, más somos”
—Crítica del capitalismo que convierte sujetos en objetos.
“Escribe para no olvidarte tú que existo
Para que me recuerdes qué soy”
—Definición de la escritura como lucha contra olvido y fragmentación.
Crítica realizada por Ana María Olivares
Crítica Literaria Especializada en Poesía Contemporánea
